Un rave lungo una notte, una guerra che non è mai davvero finita e due amici che cercano una via d'uscita.
Sinossi
Nell’Irlanda del Nord del 1994, durante il cessate il fuoco dell’IRA, Vinny e Jonty sono due giovani amici che sognano di lasciarsi alle spalle la piccola Enniskillen, soprannominata “Skintown”. In una comunità ancora profondamente divisa tra cattolici e protestanti, i due cercano di guadagnare abbastanza denaro per costruirsi una via d’uscita, finendo coinvolti in un affare di droga più grande di loro. Tra violenza, amicizia e rave clandestini, la loro fuga dalla provincia diventa il ritratto di una generazione cresciuta all’ombra di un conflitto apparentemente destinato a non finire mai.
Kieron J. Walsh ambienta Skintown nel 1994, in quel fragile momento della storia dell’Irlanda del Nord nel quale il cessate il fuoco dell’IRA sembra poter aprire finalmente una strada verso la normalità, ma la violenza continua a essere una presenza concreta nella vita quotidiana. Il film sceglie però di osservare questo passaggio storico dal punto di vista di chi è troppo giovane per averlo deciso e abbastanza adulto da subirne ancora le conseguenze. Vinny e Jonty non sono interessati alla politica, non vogliono diventare eroi e non sembrano avere particolari ambizioni oltre alla possibilità di andarsene da Enniskillen. La loro insofferenza nei confronti di una città che percepiscono come una prigione diventa così il modo attraverso cui Skintown racconta una generazione cresciuta in una società nella quale persino l’identità religiosa può diventare una condanna. La contrapposizione tra cattolici e protestanti non viene trasformata in un semplice conflitto tra buoni e cattivi, ma rimane sullo sfondo come una regola non scritta che determina chi può fidarsi di chi, dove si può andare e quali parole è meglio non pronunciare.
If you love ’em, you defuse ’em.
LA VIOLENZA COME RUMORE DI FONDO
Walsh evita di trasformare il contesto storico in una lezione di storia, preferendo mostrarne la presenza attraverso piccoli gesti, minacce, diffidenze e situazioni nelle quali l’identità religiosa può ancora determinare il comportamento delle persone. È proprio questa dimensione quotidiana a rendere efficace il film: la violenza non viene trattata come qualcosa di eccezionale, ma come un rumore di fondo al quale i personaggi hanno imparato a reagire quasi automaticamente.
In questo scenario, Vinny emerge come un protagonista interessante perché sembra rifiutare istintivamente la logica della contrapposizione. La sua filosofia suggerisce che la solidarietà possa essere più efficace dell’ostilità anche quando arriva nei confronti di persone che, secondo le regole della comunità, dovrebbero essere considerate avversarie. Il film non vuole veicolare un messaggio ingenuamente pacifista, anche perché, in più di un’occasione, la pellicola mostra quanto sia difficile applicarlo quando intorno a te esistono persone che hanno costruito la propria identità proprio sull’opposizione a qualcun altro; ma individua proprio nella possibilità di riconoscere l’umanità dell’altro una piccola forma di resistenza.
Walsh racconta gli anni Novanta attraverso la musica, i pub, le bravate e soprattutto la cultura rave, trasformando il desiderio di ballare in una vera e propria forma di evasione collettiva. La colonna sonora è uno degli elementi più riusciti del film, con Prodigy, Elastica, Happy Mondays, Jeff Mills e Carl Cox a costruire una dimensione sonora capace di restituire immediatamente l’energia di quell’epoca.
Il rave rappresenta qualcosa di più di una semplice festa: è uno spazio nel quale le divisioni che governano il resto della società possono momentaneamente scomparire. Sulla pista da ballo non conta necessariamente da quale parte della città si provenga, quale religione si professi o quale passato familiare si porti sulle spalle. Per qualche ora esiste soltanto una comunità costruita attraverso la musica. La techno diventa il suono di una generazione che cerca una propria identità proprio mentre il mondo degli adulti continua a essere dominato dalle appartenenze del passato.
UN TRAVAGLIATO PERCORSO DI MATURAZIONE
Anche l’umorismo svolge una funzione fondamentale, perché impedisce alla ricostruzione storica di diventare eccessivamente cupa. Vinny e Jonty sono ragazzi che vogliono divertirsi, fare soldi e partire, e il film non perde mai di vista questa dimensione adolescenziale. Le loro ambizioni sono spesso ingenue, le loro decisioni discutibili e le loro imprese decisamente sopra le righe, ma proprio questa imperfezione rende credibile il loro desiderio di fuga. Skintown non racconta una generazione di giovani politicamente impegnati, racconta una generazione che vorrebbe semplicemente avere la possibilità di non essere definita dalla politica.
Il cuore del film rimane però l’amicizia tra i due protagonisti, che condividono lo stesso desiderio di fuga ma che reagiscono in maniera diversa alla possibilità di realizzarlo, e attraverso la quale il film riesce a trasformare una vicenda ambientata in un periodo storico molto specifico in un racconto più universale sul passaggio all’età adulta. È una sensazione familiare a chiunque abbia percepito la propria città d’origine come una gabbia, ma in Skintown assume un significato particolare perché i protagonisti non possono semplicemente separarsi dal contesto nel quale sono cresciuti.
La questione familiare di Vinny, in particolare, permette a Walsh di collegare il desiderio di lasciare l’Irlanda del Nord a una più profonda difficoltà nel confrontarsi con il proprio passato. Le lettere del padre e il rapporto irrisolto con una figura che ha scelto di allontanarsi diventano il riflesso di una comunità che cerca anch’essa di capire cosa fare della propria memoria. È significativo che il film non presenti mai il passato soltanto come qualcosa da dimenticare: ciò che è stato continua a influenzare il presente, anche quando si cerca disperatamente di costruire un futuro differente.
LIBERTÀ, INCOSCIENZA E VULNERABILITÀ
Il tono di Skintown cambia progressivamente senza mai perdere quella vitalità iniziale, permettendo alla commedia di convivere con una dimensione sempre più malinconica. Kieron J. Walsh non utilizza però il contesto storico soltanto per costruire un racconto di violenza: ciò che interessa maggiormente al film sono le conseguenze di una società nella quale la pace non coincide automaticamente con la fine del conflitto. Anche quando le armi sembrano tacere, rimangono le persone, le famiglie, le paure e le divisioni create negli anni precedenti. È qui che il film trova la sua dimensione più adulta, trasformando il desiderio adolescenziale di fuga in una riflessione sulla difficoltà di liberarsi davvero da un luogo senza averne prima affrontato le ferite. Jack Rowan e Chris Walley conferiscono grande credibilità all’amicizia tra Vinny e Jonty, mantenendo quel delicato equilibrio tra comicità, incoscienza e vulnerabilità che impedisce ai personaggi di diventare semplicemente simbolici.
Skintown è dunque un period movie che non guarda al passato con nostalgia, ma cerca nella cultura giovanile degli anni ’90 una possibile alternativa alle divisioni degli adulti. La musica diventa una forma di libertà, l’amicizia una possibilità di superare le appartenenze e il desiderio di partire il primo passo verso una consapevolezza più complessa. Il risultato è un film vivace e malinconico che comprende come, in certi luoghi, crescere significhi soprattutto imparare a distinguere tra la necessità di scappare e quella di trovare finalmente un motivo per restare.
